タイムライン 時間に触れるためのいくつかの方法 | TIMELINE: Several ways to touch time

井田照一《Tantra》1962–2006年 322╳212 mm より No. 385(2005年) 豊田市美術館所蔵
  • 会期
    2019年4月24日(水) – 6月23日(日)
  • 開館時間
    9:30–16:30入館は16時まで
  • 休館日
    月曜日、火曜日平日・祝日にかかわらず
  • 観覧料
    一般 400円/高校生・大学生 300円/小学生・中学生 200円
    • 20名以上の場合は団体観覧料を適応
    • 障害者手帳をお持ちの方とその付き添いの方1名、70歳以上の方は無料(要証明証)
    • 京都大学学生・教職員、京都府下の大学在籍の学生は無料(要証明証)
京都大学総合博物館
The Kyoto University Museum
井田照一《Tantra》
1962–2006年 322×212 mm より No. 385(2005年)
豊田市美術館所蔵
  • 会期
    2019年4月24日(水) – 6月23日(日)
  • 開館時間
    9:30 – 16:30入館は16時まで
  • 休館日
    月曜日、火曜日平日・祝日にかかわらず
  • 観覧料
    一般 400円/高校生・大学生 300円/小学生・中学生 200円
    • 20名以上の場合は団体観覧料を適応
    • 障害者手帳をお持ちの方とその付き添いの方1名、70歳以上の方は無料(要証明証)
    • 京都大学学生・教職員、京都府下の大学在籍の学生は無料(要証明証)

NEWS


私たちは、「時間」さまざま関わりながら、生活しています。たち生まれ、成長し、老いて、やがて死んでいくこと考えれば、流れている時間と無関係でいられるひとはいないしょう。

芸術作品の誕生と喪失は、しばしば生き物ありよう重ねて語られてきました。作品は「生まれ」時に「成長」「成熟」し、やがて「老い」「死ぬ」のだ、言うように。しかし、たちは、ふと立ち止まり、考えしないでしょうか。はたして、芸術作品生は、人間の命と同じような軌道を描いているものだと言い切れるのか、と。

近現代になって美術世界訪れた素材技法多様化は、芸術作品生をありとあらゆる形に変容させてきました。プラスチック、ポリエステル、瓶や缶、ヴィデオやテレビ、みるみるうちに溶けたり消えたりしてしまう短命エフェメラル素材たち、あるいは超えて再び現れ新たに出された伝統的絵画材料。複合的作品成り立ち指すしてよくたちする「ミクストメディア」「インターメディア」は、今やすっかり広く世に知られるようなりました。しかし、実際そこどんな「モノたち」混交ミクストされ、作品インターゆらゆら移ろっいるのか、結果して作品ありようがあるいはその「寿命」どのよう複雑したのか、その答えは、まだ漂っているです。

現代に生きる私たちが、「モノ」してつまり、物理的姿形持ち、このあって、時間経過とも何らか変質内外じる、変わりゆく存在して芸術作品たどる過程を、浮き彫りすることできないものか? そこ見えてくるのか?「モノ」たち生死軌道は、いか異なり、いか交わり、あるい遠ざかるのか?このよう問いから、「タイムライン 時間に触れるためいくつか方法」生まれました。

展覧会は、芸術作品作ること、示すこと、残すこと直接かかわり、その全て考えめぐらすたち制作者アーティスト展示者インストーラー修復士コンサバター美術史家アート・ヒストリアンが、たち芸術作品時間ついて、考えるなっています。作品生み、それおいて、保存し、研究する彼らは、それぞれ異なった職能持ちながら、それぞれ立場から芸術真っ向から立ち向かい、作品いうモノ「触れている」いうで、一にしています。いかするのか、いか残すのか、残るのか、何を消滅させるのか。試行錯誤繰り返しながら、彼ら思考は、流れモノモノ以外絶え間なく行きしては、新たな方向導かれていきます。

2006年この世を去るまで、生涯を通じて版画の概念を押し広げるかのような作品残した井田照一は、病魔された自ら皮膚体液作品埋め込んで、経年変化果て腐敗する素材と、向かう自ら肉体切り結ぶ制作行っていました。芸術自身ライフログ=生命記録ともいえる《タントラ》は、展覧起点なる、重要存在です。

いう硬く抵抗の強い素材して、「彫り」「刻む」いう働きかけ行いながら、その力強さあえてかき消すよう軽妙作り出すのは、大野綾子です。道端置かれ川べり転がるが、ただそこあり続け密やか変質し続けていくのに対し、大野名前形を与えられ「作品」なったそれは、どのようたち示され、未来残っていくでしょうか。

加藤巧は、古代から連綿と続けられてきた「絵画の物質性」さまざま素材から成りたつ複合的なモノして絵画ついて、「描き」行為を通して考え続けている作家です。地に痕跡残す、いう、古くから繰り返し行われてきた原始的な行為を、細密よる「描き」手段用いて再び構築することで、加藤は、絵画取り巻くモノ人間行為ついて捉え直そうしています。

気温や湿度、など外的要因よって姿形変化するインスタレーション発表し、また、インストーラーして芸術展覧携わる𡈽方大活動は、に、可変流動モノあります。設営解体通して、展覧会場いう、ある種、時間にも空間にも限定されたコントロールする𡈽方振る舞いは、自身作品制作する行為作品内在する時間絡みあっていきます。そこには時間複数が、確か立ち上がっているです。

ミルク倉庫ココナッツは、7人異なった職能(電気設備、造園など土木系技術や、建築、デザインなど)複合体して含みこんだアーティストユニットです。議論繰り返し中世ギルドよう情報交換しながらインスタレーション制作するミルク倉庫ココナッツ。異なった立場から思考造形いう営為通してひとつ作品いうとり立ち現れるとき、彼ら思考や、生み出されたモノたちは、どのよう切り結ばれるでしょうか。

彼らがつくった、修復した、保存した、分析した、考え続けた作品の生の在り方タイムライン博物館の空間によりわかりやすく目に見えるように展示するために、展覧会では、作品の科学分析結果や作者の声の聴取オーラルアーカイヴ作品並べて展示します。これは、作品一体何でできているのか、これどのよう生きて、どのようたち生きる時間たどり着き、どこ向かうのか、生の来し行く末に、科学聴診器あてて、澄ます試みです。「モノ」して芸術作品が、私たち生きる時間どのよう変質続けているのか、その全容記録記述するため方法検討してきた2016年から展覧会成立過程タイムラインすべてまた、会場公開され、作品響きあうことなります。芸術作品軌道対峙し、解剖し、解体し、つなぎ合わせる空間狭間で、たちどのよう「時間」会い直すことできるでしょうか。

「時間」わたしたちとって平等あるように、モノ携わること、作ること、展示すること、鑑賞すること、残すこと、それらについて考えること、その全ての機会は、あらゆる人々に対し、ひとしく開かれています。

芸術作品私たち内外を絶え間なく流れる時間を考えなおす時間、それはひるがえって、私たちの生を今一度問い直すため今日この日この瞬間紡ぐ営為にも、つながっていくしょう。

We lead our lives while engaging with “time” in a variety of ways. Given that everyone is to be born, grow up, age, and eventually die, no one shall be free from the persistent flow of time.

The process from birth to loss of an artwork has been often discussed in connection with the life of a living being: an artwork is said to be “born,” in some cases “grow up” and “ma­ture,” and eventually “age” and “die.” However, we then find ourselves having paused and pondering. Is it truly precise to say that the life of an artwork and that of a human follow similar trajectories?

The diversification of materials and techniques came about in the world of art in the mod­ern era and is still going on presently, transforming modes of the lives of artworks in every possible direction by virtue of plastic and polyester, bot­tles and cans, video and television, ephemeral matters that instantly melt away or disappear, and even traditional materials associated with painting, which have resurfaced due to rediscovery after being overlooked for a long time. Today, the terms that we have often heard so as to indicate a complex formulation of an artwork, such as “mixed-media” and “intermedia,” have come to be commonly used and widely known in society at large. However, exactly what kind of “objects” are mixed in those works, exactly what are those things between which artworks wander for inter-mediation, and how complex, as a result, have forms of the lives of artworks — or their “longevity” — become? Answers to these questions are still in the air.

How can we, as living beings of the present day, put in stark relief the lifetime process of an artwork as an object — as a being that exists physically in the world with a concrete form that constantly changes due to internal and external transmutations developing inevitably as time goes by? What will our attempt reveal and make visible? How do the life-death trajectory of an “object” and that of us differ from, intersect with, and draw apart from each other? The TIMELINE ex­hi­bi­tion grew out of such questions.

This ex­hi­bi­tion is intended to serve as a platform for the participants, who engage directly in making, presenting, and conserving artworks while working as an artist, an installer, a con­ser­va­tor, and an art historian, respectively or multiply, and who are concerned with all those aspects together, to exchange ideas about diverse temporalities and lives of both humans and artworks. Creating artworks, or conserving and studying artworks at public institutions, they have different specialized skills in respective fields, yet share one method: they tackle art squarely though the act of “touching” artworks that have physical forms. Constantly speculating and experimenting by trial and error on how to formulate things, how to preserve them, what would stay, and what should be eliminated, their contemplations, while negotiating with the flow of time, ceaselessly come and go between objects and non-objects, a process that eventually guides them in a new direction each time.

Up until he left this world in 2006, through­out his life, Shoichi Ida devoted himself to the development of a body of work that expands the definition of printmaking. As a deadly illness tormented him, the artist worked on creating connections between organic materials that would change their states across the ages until decaying eventually, including fragments of skin and drops of fluid from his own body, literally embedded in his pieces, and his physical existence itself that was coming to an end. In this sense, his series Tantra is indeed a lifelog of the artist himself, therefore setting a point of departure for our project and playing an essential role in this ex­hi­bi­tion.

Despite the fact that stone is a solid material with hard resistance, Ayako Ohno creates rather light and witty forms or situations as if canceling such strength, by approaching it through her particular acts of “carving” and “incising.” In contrast to natural stones left on the road or rocks lying around on a river bank that secretly and slowly transmute just by staying as they are, how are those ones that have become “artworks,” given forms and names by Ohno, presented to us and how are they going to be in the future?

Takumi Kato is an artist who has employed the act of “drawing” as a means to continuously think about the “materiality of paintings” — about paintings that are complex objects each comprising a wide array of materials — which humans have carried on in an unbroken line since ancient times. By “drawing” with fine minute paint brushes, Kato analyzes and reconstructs the primitive act, which has been repeatedly practiced for ages, namely leaving traces on a support, in an attempt to shed new light to behaviors of objects and actions of humans surrounding what is called painting.

Dai Hijikata exhibits, as an artist, installation works that change their states in response to external factors such as temperature, humidity, and light, and also works, as an installer, for art festivals and ex­hi­bi­tions. Overall, his activities are always in close relationship with objects that are variable and fluid. Hijikata’s gestures to control a temporarily and spatially limited site, namely an ex­hi­bi­tion situation, by means of installation and de-installation, is inseparably intertwined with his own act of making as well as the temporality latent in his resultant works. Plurality of time is certainly put forth in his practice.

mirukusoko + The Coconuts form a complex artist unit that incorporates its seven members’ respective specialized skills such as those of architecture and design and civil engineering techniques including electrical facility equipping and land­scape gardening. The collective creates installations for each of which they undergo repeated discussions and exchanges of information like a guild in medieval times. Through their collaborative act of forming a physical composition, various ideas from different backgrounds together gain visibility as a single artwork. What kind of relations are constructed between their thoughts and the objects that have come to the world as a result of this process?

In order to display the timelines of the lives of the artworks that they have made, conserved, analyzed, and repeatedly contemplated in a more comprehensible and visible way in the museum environment, this ex­hi­bi­tion juxtaposes physical artworks with both results of scientific analysis on them and an archive of oral interviews with the artists. It is an attempt to place a scientific and analytical stethoscope at the artworks presented in front of us so that we can strain our ears to learn stories of their past and future — what they are made up of, how they have led their lives, how their lives have arrived at the temporality in which we live, and where are they headed for toward the future. In planning this ex­hi­bi­tion, we have looked into different possibilities to figure out the best way to document and describe the full scope of how artworks in the form of physical “objects” constantly transmute in the framework of human temporality. The timeline of this process itself is shared with the public in a variety of forms, resonating with the lives of the artworks. In this space, where trajectories of the diverse lives of the artworks are confronted, dissected, deconstructed, and interconnected, how are we going to re-encounter “time”?

Just like how the relation between “time” and each of us is equal, opportunities to relate oneself to objects by engaging with, making, exhibiting, viewing, and conserving them, as well as giving thoughts to these approaches, are all equally open to anyone.

Such time to reconsider time, which constantly flows in and out of artworks, and of ourselves, may give us a chance, in return, to reflect upon and reweave each moment of our everyday life, here and now.

  • 英訳:奥村雄樹 /
    English translation: Yuki Okumura
  • 英訳校正:グレッグ・ウィルコックス /
    English proofreading: Greg Wilcox

ARTISTS

井田照一

Shoichi Ida

1941年京都生まれ。1965年、京都市立美術大学(現:京都市立芸術大学)西洋修了。1968年 毎日フランス留学コンクール大賞受賞し、パリ留学。1970年から74年かけてニューヨーク滞在し、各国個展開催するともに、東京国際版画ビエンナーレ展、パリ国際版画ビエンナーレ展、ノルウェー国際版画ビエンナーレなど出品。帰国世界各地版画出品国際活躍。イメージそのイメージ描かれる接点ある「表面」着目し、「Surface is the Between表面ある」いうコンセプト掲げたで、様々版画技法駆使多く作品制作「表裏」両義を、かたちいった造形要素より表現しよう試み続けた。1986年、日米文化交流名誉ロバート・ラウシェンバーグ受賞。1989年、サントリー美術館大賞大賞受賞。2004年、紫綬褒章受章。2006年、65歳で歿。

Born in Tokyo, 1941. Graduated from Western Painting Degree at the Kyoto City University of Arts in 1968. Ida has studied in Paris after winning the 1st prize at the ‘Mainichi France Competitions’ in 1968. Ida exhibited his work in many ex­hi­bi­tions in various countries including International Biennial Ex­hi­bi­tion of Prints in Tokyo, International Biennial Ex­hi­bi­tion of Prints in Paris, Norwegian International Print Biennale whiles he was living and working in New York between 1970 and 1974. Ida’s work focuses on the images and the surface which images are printed on. This had triggered a concept of ‘Surface is the in-between’ and ever since Ida has been trying and testing by using a many different printing technics, colours and forms to express the ambiguous area of ‘front and back’. In 1986, he won the the award For Excellence in International Cultural Exchange from the National Endowment for the Arts alongside of the other winner, Robert Rauschenberg. In 2004, he received a Medal of Honour – Medal with Purple Ribbon from the Japanese Emperor. He deceased in 2006, at his age of 65.

井田照一《Tantra》No. 385 2005, 322×212 mm, 豊田市美術館所蔵 ※当該作品は会期によっては本企画展では展示されておりません
  • 井田照一《Tantra》No. 385
  • 2005, 322×212 mm, 豊田市美術館所蔵
  • ※当該作品は会期によっては本企画展では展示されておりません

大野綾子

Ayako Ohno

1983年埼玉生まれ。彫刻家。日常風景行為からイメージなど、人々生活潜むあらゆる事象を形におこしている。思い描くイメージという物質との調和バランス考慮し、独特「かたち」獲得していくで、現代おける彫刻あり方模索している。「第7回大黒屋現代アート公募展」大賞受賞(2012)個展「さかなとして浸かる」 (2013 / 板室温泉大黒 / 栃木県)開催。近年個展「さかなような人」(2018 / KAYOKOYUKI / 東京都)「所沢ビエンナーレ [引込線]2017」(2017 / 旧所沢市立第2学校給食センター / 埼玉県)などある。

Born in Saitama prefecture, 1983. Sculptor. Ohno projects the land­scapes and actions larking in people’s daily lives on to her sculpture. Ohno seeks the best way the contemporary stone sculptures could be whiles contemplating the harmony and bal-ance between her envisions of images and a material – stones. Ohno is the 1st prize winner of the 7th Daikokuya Contemporary Art raise Ex­hi­bi­tion 2012 (tochigi) . Ohno has shown her work at the ‘Tokorozawa Biennial of Contemporary Art –railroad siding 2017 ’ and her recent solo show ‘Person like fish’ (2018, KAYOKOYUKI, Tokyo)

大野綾子《さかなのような人》 2018, 3270×5080×2900 mm, 大理石、木、アルミ、他 ※当該作品は本企画展では展示されておりません
  • 大野綾子《さかなのような人》
  • 2018, 3270×5080×2900 mm, 大理石、木、アルミ、他
  • ※当該作品は本企画展では展示されておりません

加藤巧

Takumi Kato

1984年愛知生まれ。美術家。15世紀絵画技法家・チェンニーノ・チェンニーニの『絵画書』の研究起点とし、現代つながる材料 / メディウム紐解きながら絵画材料研究絵画制作並行している。代表発表して、「World Event Young Artists」(2012 / 英国・ノッティンガム)「Seen from a Vehicle」(2015 / フィンランド・イイ)「作法ためマインダ」(2015 / 奈良「奈良町家芸術祭・はならぁと」今井エリア担当キュレーター、作品制作)「ARRAY」(2016 / the three konohana / 大阪府)などある。

Born in Aichi Prefecture, 1984. Artist. Currently a lecturer at the Nagoya Zokei University of Art & Design and Seian University of Art and Design. Kato’s research is based on Cennino Cennini’s book Il libro dell’arte and, alongside of his re-search, he explores and reveals the materials and mediums histories which are still relevant to the contemporary world in the paintings he creates. The most notable presentations of his work are World Event Young Artist (2012/ Nottingham, U.K.), Seen from a Vehicle (2015/KulttuuriKauppila - Ii, Finland), Reminder for Making Methods (2015/Nara Prefectual Art Festival HANARART – Nara, Japan) and ARRAY (2016/the three konohana – Osaka, Japan).

加藤巧《To Rub #3》 2018, 440×364 mm, 顔料、アルデヒド樹脂、白亜地、亜麻布、木材
  • 加藤巧《To Rub #3》
  • 2018, 440×364 mm, 顔料、アルデヒド樹脂、白亜地、亜麻布、木材

𡈽方大

Dai Hijikata

1989年愛知生まれ。アーティスト、コーディネーター、インストーラー。2011年、金沢美術工芸大学美術家彫刻専攻卒業。現在、秋田公立美術大学大学院助手。気温、湿度、など外的要因よって形態変化させるインスタレーション作品など制作している。また、スペース運営展覧会企画、プロジェクト運営しながら、インストーラーしても芸術展覧など作品設置携わる。

Born in Aichi Prefecture, 1989. Artist, Director and installer. Graduated from Sculpture Degree at the Kanazawa Art College. Hijika-ta is currently works at the Akita University of Arts as an assis-tant professor for their MA course. Hijikata is mainly working on the installations which changes according the temperature, humidity and light in its environment. Hijikata involves in the organization of the ex­hi­bi­tion spaces, projects and events, and also work as an installer at the ex­hi­bi­tions and fairs. The notable presentations of his work include Chronicle, Chronicle! (as an installer of the exhi-bition, 2016-17/cc0 – Osaka, Japan), Mukai Sanken Ryodonari(as a Di-rector of the ex­hi­bi­tion, 2017 –Akita, Japan) and Niji no Fumoto (At the Foot of Rainbows, 2014/ Nagoya City Hall citizen Economic Affairs Bureau Civic Art Gal­ler­y Yada – Nagoya, Japan).

𡈽方大《in one’s book》 2012, 尿素、顔料、モール、鉄, 2300×2100×2500 mm ※当該作品は本企画展では展示されておりません
  • 𡈽方大《in one’s book》
  • 2012, 尿素、顔料、モール、鉄, 2300×2100×2500 mm
  • ※当該作品は本企画展では展示されておりません

ミルク倉庫ココナッツ

mirukusouko + The Coconuts

7人異なった職能(電気設備、造園など土木系技術や、建築、デザインなど)複合体して含みこんだアーティストユニット。人間モノ、あるいはそれら技術関係可塑性見出し、社会新たな思弁与え技術開発実験など制作として行う。代表的発表して「アートプログラム青梅存在超えて」(2012 / 東京都)「無条件修復 UN­CON­DI­TION­AL RES­TO­RA­TION」(2015 / 東京都 / 企画)[以上ミルク倉庫名義]、「家計簿車」 (2016 / 3331 GAL­LER­Y / 東京都)「清流ぎふ芸術 Art Award IN THE CUBE 2017身体ゆくえ」 (2017 / 岐阜県美術 / 岐阜県)などある。

mirukusouko (Milk Warehouse) + The Coconuts are an art collaboration group with 7 members of art-ists who have specialized skills in different areas of a profession – electrical installations, civil engineer-ing, landscaping, architecture, acoustics, and design. They seek and discover the possibilities of human and objects reversibility and the relationship human and the objects have with technologies by creating the artwork using technical development and experiments that make the society speculate. The notable presentations of their early collaborative work as mirukusouko include Art Pro­gram Ome (2012 / Ome Fabric Industry Cooperative Union, Tokyo, Japan), UN­CON­DI­TION­AL RES­TO­RA­TION (2015 / milkyeast, Tokyo, Japan). After The Coconuts joined in 2015, they have been working as mirukusouko + The Coco-nuts including Inventory management is a running hot chariot. (2016 / 3331 Gal­ler­y, Tokyo, Japan), Gifu Land of Clear Waters Art Festival, Art Award IN THE CUBE 2017 “Whereabouts of the Body” (2017 / Gifu Museum of Fine Arts, Gifu, Japan).

ミルク倉庫+ココナッツ《cranky wordy things》 2017, モニタ、秤、紙袋、壺、ピスタチオ、フラスコ、木槌、モータ、ペットボトル、ポリタンク、他 ※当該作品は本企画展では展示されておりません
  • ミルク倉庫+ココナッツ《cranky wordy things》
  • 2017, モニタ、秤、紙袋、壺、ピスタチオ、フラスコ、木槌、モータ、ペットボトル、ポリタンク、他
  • ※当該作品は本企画展では展示されておりません
  • 英訳:司馬万里 / English translation: Mari Shiba

会期中の展示替えについて:5月22日より、井田照一作品(豊田市美術館所蔵)を展示替え


ACCESS

京都大学総合博物館
The Kyoto University Museum

京都市バス:

  • JR/近鉄京都駅から17、206系統
  • 阪急河原町駅から3、17、31、201系統
  • 地下鉄烏丸線今出川駅から201、203系統
  • 地下鉄東西線東山駅から31、201、206系統
  • 百万遍(ひゃくまんべん)停留所で下車徒歩約2分

京阪電鉄:

  • 京阪本線 出町柳(でまちやなぎ)駅で下車、今出川通りを東進
  • 百万遍(ひゃくまんべん)交差点を南に折れてすぐ(出町柳駅から徒歩15分)