私たちは、「時間」とさまざまな形で関わりながら、生活をしています。私たちが生まれ、成長し、老いて、やがて死んでいくことを考えれば、流れている時間と無関係でいられるひとはいないでしょう。
芸術作品の誕生と喪失は、しばしば生き物の命のありようと重ねて語られてきました。作品は「生まれ」、時に「成長」「成熟」し、やがて「老い」て「死ぬ」のだ、と言うように。しかし、私たちは、ふと立ち止まり、考えはしないでしょうか。はたして、芸術作品の生は、人間の命と同じような軌道を描いているものだと言い切れるのか、と。
近現代になって美術の世界に訪れた素材と技法の多様化は、芸術作品の生をありとあらゆる形に変容させてきました。プラスチック、ポリエステル、瓶や缶、ヴィデオやテレビ、みるみるうちに溶けたり消えたりしてしまう短命エフェメラルな素材たち、あるいは時を超えて再び現れ新たに見出された伝統的な絵画の材料。複合的な作品の成り立ちを指す語としてよく私たちが耳にする「ミクストメディア」や「インターメディア」は、今やすっかり広く世に知られるようになりました。しかし、実際にそこでどんな「モノたち」が混交ミクストされ、作品が何と何の間インターをゆらゆらと移ろっているのか、結果として作品の命のありようが—あるいはその「寿命」が—どのように複雑化したのか、その答えは、まだ宙を漂っているのです。
現代に生きる私たちが、「モノ」としての—つまり、物理的な姿形を持ち、この世の中にあって、時間の経過とともに何らかの変質が内外に生じる、変わりゆく存在としての—芸術作品がたどる生の過程を、浮き彫りにすることはできないものか? そこには何が見えてくるのか?「モノ」と私たちの生死の軌道は、いかに異なり、いかに交わり、あるいは遠ざかるのか?—このような問いから、「タイムライン 時間に触れるためのいくつかの方法」展は生まれました。
本展覧会は、芸術作品を作ること、示すこと、残すことに直接かかわり、その全てに考えをめぐらす者たち—制作者アーティスト・展示者インストーラー・修復士コンサバター・美術史家アート・ヒストリアンが、私たちと芸術作品の時間と生について、共に考える場となっています。作品を生み、それを公の場において、保存し、研究する彼らは、それぞれに異なった職能を持ちながら、それぞれの立場から芸術に真っ向から立ち向かい、作品というモノに「触れている」という点で、軌を一にしています。いかに形にするのか、いかに残すのか、何が残るのか、何を消滅させるのか。試行錯誤を繰り返しながら、彼らの思考は、時の流れの中でモノとモノ以外の間を絶え間なく行き来しては、新たな方向へと導かれていきます。
2006年にこの世を去るまで、生涯を通じて版画の概念を押し広げるかのような作品群を残した井田照一は、病魔に冒された自らの皮膚や体液を作品に埋め込んで、経年変化の果てに腐敗する素材と、死に向かう自らの肉体を切り結ぶ制作を行っていました。芸術家自身のライフログ=生命の記録ともいえる《タントラ》は、展覧会の起点となる、重要な存在です。
石という硬く抵抗の強い素材に対して、「彫り」「刻む」という働きかけを行いながら、その力強さをあえてかき消すように軽妙な形や場を作り出すのは、大野綾子です。道端に置かれた石や川べりに転がる岩が、ただそこにあり続け密やかに変質し続けていくのに対し、大野の手で名前と形を与えられ「作品」となったそれは、どのように私たちに示され、未来に残っていくのでしょうか。
加藤巧は、古代から連綿と続けられてきた「絵画の物質性」—さまざまな素材から成りたつ複合的なモノとしての絵画—について、「描き」の行為を通して考え続けている作家です。地に痕跡を残す、という、古くから繰り返し行われてきた原始的な行為を、細密な筆による「描き」の手段を用いて再び構築することで、加藤は、絵画を取り巻くモノと人間の行為について捉え直そうとしています。
気温や湿度、光などの外的要因によって姿形が変化するインスタレーションを発表し、また、インストーラーとして芸術祭や展覧会に携わる𡈽方大の活動は、常に、可変的で流動的なモノと共にあります。設営と解体を通して、展覧会場という、ある種、時間的にも空間的にも限定された場をコントロールする𡈽方の振る舞いは、自身の作品を制作する行為と作品に内在する時間と絡みあっていきます。そこには時間の複数性が、確かに立ち上がっているのです。
ミルク倉庫+ココナッツは、7人の異なった職能(電気設備、造園などの土木系技術や、建築、デザインなど)を複合体として含みこんだアーティストユニットです。議論を繰り返し中世のギルドのように情報交換しながらインスタレーションを制作するミルク倉庫+ココナッツ。異なった立場からの思考が造形という営為を通してひとつの作品という形をとり立ち現れるとき、彼らの思考や、生み出されたモノたちは、どのように切り結ばれるのでしょうか。
彼らがつくった、修復した、保存した、分析した、考え続けた作品の生の在り方タイムラインを博物館の空間によりわかりやすく目に見えるように展示するために、展覧会では、作品の科学分析結果や作者の声の聴取オーラルアーカイヴを作品と並べて展示します。これは、目の前の作品が一体何でできているのか、これがどのように生きて、どのように私たちの生きる時間にたどり着き、どこへ向かうのか、生の来し方行く末に、科学の聴診器をあてて、耳を澄ます試みです。「モノ」としての芸術作品が、私たちが生きる時間の中でどのように変質し続けているのか、その全容を記録し記述するための方法を検討してきた2016年からの展覧会成立過程タイムラインのすべてもまた、会場で公開され、作品の生と響きあうことになります。芸術作品の生の軌道に対峙し、解剖し、解体し、つなぎ合わせる空間の狭間で、私たちはどのように「時間」と出会い直すことができるでしょうか。
「時間」がわたしたちにとって平等であるように、モノに携わること、作ること、展示すること、鑑賞すること、残すこと、それらについて考えること、その全ての機会は、あらゆる人々に対し、ひとしく開かれています。
芸術作品と私たちの内外を絶え間なく流れる時間を考えなおす時間、それはひるがえって、私たちの生を今一度問い直すための今日この日この瞬間を紡ぐ営為にも、つながっていくでしょう。
We lead our lives while engaging with “time” in a variety of ways. Given that everyone is to be born, grow up, age, and eventually die, no one shall be free from the persistent flow of time.
The process from birth to loss of an artwork has been often discussed in connection with the life of a living being: an artwork is said to be “born,” in some cases “grow up” and “mature,” and eventually “age” and “die.” However, we then find ourselves having paused and pondering. Is it truly precise to say that the life of an artwork and that of a human follow similar trajectories?
The diversification of materials and techniques came about in the world of art in the modern era and is still going on presently, transforming modes of the lives of artworks in every possible direction by virtue of plastic and polyester, bottles and cans, video and television, ephemeral matters that instantly melt away or disappear, and even traditional materials associated with painting, which have resurfaced due to rediscovery after being overlooked for a long time. Today, the terms that we have often heard so as to indicate a complex formulation of an artwork, such as “mixed-media” and “intermedia,” have come to be commonly used and widely known in society at large. However, exactly what kind of “objects” are mixed in those works, exactly what are those things between which artworks wander for inter-mediation, and how complex, as a result, have forms of the lives of artworks — or their “longevity” — become? Answers to these questions are still in the air.
How can we, as living beings of the present day, put in stark relief the lifetime process of an artwork as an object — as a being that exists physically in the world with a concrete form that constantly changes due to internal and external transmutations developing inevitably as time goes by? What will our attempt reveal and make visible? How do the life-death trajectory of an “object” and that of us differ from, intersect with, and draw apart from each other? The TIMELINE exhibition grew out of such questions.
This exhibition is intended to serve as a platform for the participants, who engage directly in making, presenting, and conserving artworks while working as an artist, an installer, a conservator, and an art historian, respectively or multiply, and who are concerned with all those aspects together, to exchange ideas about diverse temporalities and lives of both humans and artworks. Creating artworks, or conserving and studying artworks at public institutions, they have different specialized skills in respective fields, yet share one method: they tackle art squarely though the act of “touching” artworks that have physical forms. Constantly speculating and experimenting by trial and error on how to formulate things, how to preserve them, what would stay, and what should be eliminated, their contemplations, while negotiating with the flow of time, ceaselessly come and go between objects and non-objects, a process that eventually guides them in a new direction each time.
Up until he left this world in 2006, throughout his life, Shoichi Ida devoted himself to the development of a body of work that expands the definition of printmaking. As a deadly illness tormented him, the artist worked on creating connections between organic materials that would change their states across the ages until decaying eventually, including fragments of skin and drops of fluid from his own body, literally embedded in his pieces, and his physical existence itself that was coming to an end. In this sense, his series Tantra is indeed a lifelog of the artist himself, therefore setting a point of departure for our project and playing an essential role in this exhibition.
Despite the fact that stone is a solid material with hard resistance, Ayako Ohno creates rather light and witty forms or situations as if canceling such strength, by approaching it through her particular acts of “carving” and “incising.” In contrast to natural stones left on the road or rocks lying around on a river bank that secretly and slowly transmute just by staying as they are, how are those ones that have become “artworks,” given forms and names by Ohno, presented to us and how are they going to be in the future?
Takumi Kato is an artist who has employed the act of “drawing” as a means to continuously think about the “materiality of paintings” — about paintings that are complex objects each comprising a wide array of materials — which humans have carried on in an unbroken line since ancient times. By “drawing” with fine minute paint brushes, Kato analyzes and reconstructs the primitive act, which has been repeatedly practiced for ages, namely leaving traces on a support, in an attempt to shed new light to behaviors of objects and actions of humans surrounding what is called painting.
Dai Hijikata exhibits, as an artist, installation works that change their states in response to external factors such as temperature, humidity, and light, and also works, as an installer, for art festivals and exhibitions. Overall, his activities are always in close relationship with objects that are variable and fluid. Hijikata’s gestures to control a temporarily and spatially limited site, namely an exhibition situation, by means of installation and de-installation, is inseparably intertwined with his own act of making as well as the temporality latent in his resultant works. Plurality of time is certainly put forth in his practice.
mirukusoko + The Coconuts form a complex artist unit that incorporates its seven members’ respective specialized skills such as those of architecture and design and civil engineering techniques including electrical facility equipping and landscape gardening. The collective creates installations for each of which they undergo repeated discussions and exchanges of information like a guild in medieval times. Through their collaborative act of forming a physical composition, various ideas from different backgrounds together gain visibility as a single artwork. What kind of relations are constructed between their thoughts and the objects that have come to the world as a result of this process?
In order to display the timelines of the lives of the artworks that they have made, conserved, analyzed, and repeatedly contemplated in a more comprehensible and visible way in the museum environment, this exhibition juxtaposes physical artworks with both results of scientific analysis on them and an archive of oral interviews with the artists. It is an attempt to place a scientific and analytical stethoscope at the artworks presented in front of us so that we can strain our ears to learn stories of their past and future — what they are made up of, how they have led their lives, how their lives have arrived at the temporality in which we live, and where are they headed for toward the future. In planning this exhibition, we have looked into different possibilities to figure out the best way to document and describe the full scope of how artworks in the form of physical “objects” constantly transmute in the framework of human temporality. The timeline of this process itself is shared with the public in a variety of forms, resonating with the lives of the artworks. In this space, where trajectories of the diverse lives of the artworks are confronted, dissected, deconstructed, and interconnected, how are we going to re-encounter “time”?
Just like how the relation between “time” and each of us is equal, opportunities to relate oneself to objects by engaging with, making, exhibiting, viewing, and conserving them, as well as giving thoughts to these approaches, are all equally open to anyone.
Such time to reconsider time, which constantly flows in and out of artworks, and of ourselves, may give us a chance, in return, to reflect upon and reweave each moment of our everyday life, here and now.
- 英訳:奥村雄樹 /
English translation: Yuki Okumura - 英訳校正:グレッグ・ウィルコックス /
English proofreading: Greg Wilcox
ARTISTS
井田照一
Shoichi Ida
1941年京都府生まれ。1965年、京都市立美術大学(現:京都市立芸術大学)西洋画科修了。1968年 毎日フランス留学コンクールで大賞を受賞し、パリに留学。1970年から74年にかけてはニューヨークに滞在し、各国で個展を開催するとともに、東京国際版画ビエンナーレ展、パリ国際版画ビエンナーレ展、ノルウェー国際版画ビエンナーレ展などに出品。帰国後も世界各地の版画展に出品し国際的に活躍。イメージとそのイメージが描かれる場の接点である「表面」に着目し、「Surface is the Between—表面は間である」というコンセプトを掲げた上で、様々な版画技法を駆使し数多くの作品を制作し「表と裏」の両義性を、色やかたちといった造形要素により表現しようと試み続けた。1986年、日米文化交流名誉賞をロバート・ラウシェンバーグと共に受賞。1989年、サントリー美術館大賞展大賞を受賞。2004年、紫綬褒章を受章。2006年、65歳で歿。
Born in Tokyo, 1941. Graduated from Western Painting Degree at the Kyoto City University of Arts in 1968. Ida has studied in Paris after winning the 1st prize at the ‘Mainichi France Competitions’ in 1968. Ida exhibited his work in many exhibitions in various countries including International Biennial Exhibition of Prints in Tokyo, International Biennial Exhibition of Prints in Paris, Norwegian International Print Biennale whiles he was living and working in New York between 1970 and 1974. Ida’s work focuses on the images and the surface which images are printed on. This had triggered a concept of ‘Surface is the in-between’ and ever since Ida has been trying and testing by using a many different printing technics, colours and forms to express the ambiguous area of ‘front and back’. In 1986, he won the the award For Excellence in International Cultural Exchange from the National Endowment for the Arts alongside of the other winner, Robert Rauschenberg. In 2004, he received a Medal of Honour – Medal with Purple Ribbon from the Japanese Emperor. He deceased in 2006, at his age of 65.
大野綾子
Ayako Ohno
1983年埼玉県生まれ。彫刻家。日常の風景や行為からのイメージなど、人々の生活に潜むあらゆる事象を形におこしている。思い描くイメージと石という物質との調和とバランスを考慮し、独特の「かたち」を獲得していく中で、現代における石の彫刻のあり方を模索している。「第7回大黒屋現代アート公募展」大賞受賞(2012)、個展「さかなとして浸かる」 (2013 / 板室温泉大黒屋 / 栃木県)を開催。近年は個展「さかなのような人」(2018 / KAYOKOYUKI / 東京都)、「所沢ビエンナーレ [引込線]2017」(2017 / 旧所沢市立第2学校給食センター / 埼玉県)などがある。
Born in Saitama prefecture, 1983. Sculptor. Ohno projects the landscapes and actions larking in people’s daily lives on to her sculpture. Ohno seeks the best way the contemporary stone sculptures could be whiles contemplating the harmony and bal-ance between her envisions of images and a material – stones. Ohno is the 1st prize winner of the 7th Daikokuya Contemporary Art raise Exhibition 2012 (tochigi) . Ohno has shown her work at the ‘Tokorozawa Biennial of Contemporary Art –railroad siding 2017 ’ and her recent solo show ‘Person like fish’ (2018, KAYOKOYUKI, Tokyo)
加藤巧
Takumi Kato
1984年愛知県生まれ。美術家。15世紀の絵画技法家・チェンニーノ・チェンニーニの『絵画術の書』の研究を起点とし、現代につながる材料 / メディウム史を紐解きながら絵画材料研究と絵画制作を並行している。代表的な発表として、「World Event Young Artists」(2012 / 英国・ノッティンガム)、「Seen from a Vehicle」(2015 / フィンランド・イイ)、「作法のためのリマインダ」(2015 / 奈良県「奈良町家の芸術祭・はならぁと」今井町エリア担当キュレーター、作品制作)、「ARRAY」(2016 / the three konohana / 大阪府)などがある。
Born in Aichi Prefecture, 1984. Artist. Currently a lecturer at the Nagoya Zokei University of Art & Design and Seian University of Art and Design. Kato’s research is based on Cennino Cennini’s book Il libro dell’arte and, alongside of his re-search, he explores and reveals the materials and mediums histories which are still relevant to the contemporary world in the paintings he creates. The most notable presentations of his work are World Event Young Artist (2012/ Nottingham, U.K.), Seen from a Vehicle (2015/KulttuuriKauppila - Ii, Finland), Reminder for Making Methods (2015/Nara Prefectual Art Festival HANARART – Nara, Japan) and ARRAY (2016/the three konohana – Osaka, Japan).
𡈽方大
Dai Hijikata
1989年愛知県生まれ。アーティスト、コーディネーター、インストーラー。2011年、金沢美術工芸大学美術家彫刻専攻卒業。現在、秋田公立美術大学大学院助手。気温、湿度、光などの外的要因によって形態を変化させるインスタレーション作品などを制作している。また、スペース運営や展覧会企画、プロジェクトの運営をしながら、インストーラーとしても芸術祭や展覧会などの作品設置も携わる。
Born in Aichi Prefecture, 1989. Artist, Director and installer. Graduated from Sculpture Degree at the Kanazawa Art College. Hijika-ta is currently works at the Akita University of Arts as an assis-tant professor for their MA course. Hijikata is mainly working on the installations which changes according the temperature, humidity and light in its environment. Hijikata involves in the organization of the exhibition spaces, projects and events, and also work as an installer at the exhibitions and fairs. The notable presentations of his work include Chronicle, Chronicle! (as an installer of the exhi-bition, 2016-17/cc0 – Osaka, Japan), Mukai Sanken Ryodonari(as a Di-rector of the exhibition, 2017 –Akita, Japan) and Niji no Fumoto (At the Foot of Rainbows, 2014/ Nagoya City Hall citizen Economic Affairs Bureau Civic Art Gallery Yada – Nagoya, Japan).
ミルク倉庫+ココナッツ
mirukusouko + The Coconuts
7人の異なった職能(電気設備、造園などの土木系技術や、建築、デザインなど)を複合体として含みこんだアーティストユニット。人間とモノ、あるいはそれらと技術の関係に可塑性を見出し、社会へ新たな思弁性を与える技術開発や実験などを制作として行う。代表的な発表として「アートプログラム青梅—存在を超えて」(2012 / 東京都)、「無条件修復 UNCONDITIONAL RESTORATION」(2015 / 東京都 / 企画)[以上ミルク倉庫名義]、「家計簿は火の車」 (2016 / 3331 GALLERY / 東京都)、「清流の国ぎふ芸術祭 Art Award IN THE CUBE 2017—身体のゆくえ」 (2017 / 岐阜県美術館 / 岐阜県)などがある。
mirukusouko (Milk Warehouse) + The Coconuts are an art collaboration group with 7 members of art-ists who have specialized skills in different areas of a profession – electrical installations, civil engineer-ing, landscaping, architecture, acoustics, and design. They seek and discover the possibilities of human and objects reversibility and the relationship human and the objects have with technologies by creating the artwork using technical development and experiments that make the society speculate. The notable presentations of their early collaborative work as mirukusouko include Art Program Ome (2012 / Ome Fabric Industry Cooperative Union, Tokyo, Japan), UNCONDITIONAL RESTORATION (2015 / milkyeast, Tokyo, Japan). After The Coconuts joined in 2015, they have been working as mirukusouko + The Coco-nuts including Inventory management is a running hot chariot. (2016 / 3331 Gallery, Tokyo, Japan), Gifu Land of Clear Waters Art Festival, Art Award IN THE CUBE 2017 “Whereabouts of the Body” (2017 / Gifu Museum of Fine Arts, Gifu, Japan).
- 英訳:司馬万里 / English translation: Mari Shiba
RECORD
- シンポジウム Vol.1 タイムライン展解題——制作・展示・作家からの声を中心に
- 井田照一《Tantra》未公開作品(調査作品)
- シンポジウム Vol.2 タイムライン展をふりかえる——現代美術の保存・修復・記録をめぐって
- 加藤巧《To Paint (heavy metal) #01》と《〈To Paint (heavy metal #01)〉を記述する》について
- 「タイムライン」展 大野綾子作品の搬入・搬出・展示
- 大野綾子《ねがう人、たてる人》2017年 1300×3600×600mm 砂岩 梱包・輸送・展示仕様書
- 「タイムライン」展 搬入記録映像
- 「タイムライン」展 井田照一作品展示替え記録映像
- 「タイムライン」展 搬出記録映像
- 会場マップと配布テキスト
- 田口かおり × 加藤巧「タイムライン」展についての往復書簡
- サテライトイベント「作りながら保存すること——タイムライン展の事例から」
- this and that 『STAYTUNE/D』『タイムライン——時間に触れるためのいくつかの方法』記録集刊行記念トークイベント「綴じて、開く。——記録集のためのいくつかの方法」
- 大野綾子さんインタビュー
- ミルク倉庫+ココナッツ、梶原あずみさんインタビュー
会期中の展示替えについて:5月22日より、井田照一作品(豊田市美術館所蔵)を展示替え
ACCESS
- 〒606-8501 京都市左京区吉田本町 Google Maps
- Tel. 075 753 3272
- info@inet.museum.kyoto-u.ac.jp
- http://www.museum.kyoto-u.ac.jp/
京都市バス:
- JR/近鉄京都駅から17、206系統
- 阪急河原町駅から3、17、31、201系統
- 地下鉄烏丸線今出川駅から201、203系統
- 地下鉄東西線東山駅から31、201、206系統
- 百万遍(ひゃくまんべん)停留所で下車徒歩約2分
京阪電鉄:
- 京阪本線 出町柳(でまちやなぎ)駅で下車、今出川通りを東進
- 百万遍(ひゃくまんべん)交差点を南に折れてすぐ(出町柳駅から徒歩15分)